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JAZZ & Trombone 猫の巻

■ Jazz & Trombone 猫の巻

■ 猫の巻乃20:10番ポジション?

トロンボーン初級者の中には、スライドポジションは7つだけと教わって、忠実にそれを守ってる人がけっこういます。ところが実際はちょっと違うんです。

スライドポジションは1番から半音ずつ伸びていって全部で7つありますね。これで全部OKなはずなんですが、実は基音のペダルBbから数えて7番目、上のAbになる倍音は、楽器の構造上音程がかなり低いんです。これを補正するために、この倍音上のポジションは近め(高め)にする必要があります。

対象になる音は2posのG3Gb4Fあたりです。1Abは原則として使わないことにします(例外はありますがその話はあらためて)。どのぐらい上げると良いかは楽器によって少し違いますが、だいたい2~3cmというところです。これ、初めてやってみるとけっこう違うなと感じると思います。チューナーでチェックしながら丁度良いポジションを確認して下さい。この近めポジションが身につくと、加線3,4本あたりの音がぐっと出しやすくなるし、音程も音色も良くなりますよ。

さて今度は低いほう。バストロンボーンのF管の話です。
きちんと教わる機会のなかった人は、F管を引いてもオープンと同じポジションで吹いてしまいがちです。俺がレッスンした人の中にもけっこういました。これだと音が出にくくてかなりつらいはずです。

ギターのフレットを見るとヘッド側とボディー側で間隔がずいぶん違いますよね。
あれと同じでポジションの幅は手元では短く遠いポジションでは長くなります。そしてF管。
F管はオープンの6posと同じ管の長さですから、1posが低いF、そこからE,Ebと下がっていくので元の2,3posより大きく動かす必要があり、これも遠いポジションほど更に長くなります。
オープンの6posの位置はF管ではだいたい5posDbになります。6のCはありません。仕方ないので7posあたりで口で吹き下げちゃったりしますけど。低いC,Bをちゃんと演奏するためにもっと管を長くできるダブルロータリー機構が開発され、今では主流になっています。

繰り返しますが、倍音のバランス、ベルの位置、ポジションは楽器によって微妙に違います。
楽器の特徴に慣れ、無意識に手が正しい位置に動かせるようにしっかり練習して下さい。

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■ 猫の巻乃19:直感勝負だ

俺の従兄弟に彫刻家がいます。業界(って言うのか?)では有名な芸術家団体の会員でけっこうえらいらしい。それでも儲かってる様子はないので、あの業界も生活はかなり大変みたいです。
今ではお互い忙しくなっちゃってめったに会ったり飲んだりできなくなっちゃったけど、若い頃はしょっちゅう朝まで飲んで、青臭い芸術論なんかを吹きまくっていました。

あるときその従兄弟が

「普通の人ももっと美術に接しないといけない、これには作る側の責任が大きいが、一般の人達も逃げ腰にならずに気軽に見たり触ったりして欲しい」

と言ったとき、

「俺も美術はよく分かんないからなー」と返すと

従兄弟は激怒して、「ミュージシャンの君でさえそんなことを言うのか!分かる分からないと言ってるから腰が引けちゃうんだ。素人だからこそ好きだ嫌いだと勝手なことを言えば良いじゃないか」一喝。これには参っちゃってひたすら謝りました

だって音楽については俺だって彼と同じようなこと言ってるんだもん。人のことばっかり言って、まだまだ修行が足りません。

毎日努力してるプロでも他のミュージシャンのことがよく分かってるわけじゃありません。まして一般の人が創作者の苦労が分かるはずもないし、分かる必要もないと思います。たとえマイルスの名盤だって嫌いな物は嫌い。これには誰も文句は言えません。何も知らない子供のほうがこういうことは得意ですね。
我々も肩書きなどにビビらず、思い切りわがままに音楽を聞きまくりましょう。
そのほうが楽しいに決まってるし、ホントに好きな音楽に出会う近道になるはずです。

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■ 猫の巻乃18:それ、どこのスか?

楽器を切ったはなしの続編。

KING2Bはもう1箇所切ったところがあります。
それはバランサー。オモリです。
今のKINGのオモリは丸くてけっこうデカいですよね。オモリのことなんか特に考えもせずそのまま使ってたんだけど、同じKINGを使ってた生徒さんがあるときオモリを替えてレッスンにきた。

昔のKINGのオモリはけっこう小さくて、それの復刻版がいろんなメーカーから発売されています。生徒さんはそれを買ってきたというわけ。

ためしに俺もそれを借りて付けてみるとすごくイイ感じ。で早速お店に買いに行くと、これが何と2万円近くする。大量生産できないから仕方ないかも知れないけど、ちょっと高いなー
そこで考えたのは、重さを近づければ復刻版に近い感じにできるんじゃないか、ってこと。

知人に頼んででかいオモリをグラインダーでビャ~っと削ってもらいました。丸く削ればいちばん良いんだけど、オモリは上下2箇所のネジで固定されてるのでそこを避けて両側を削ったから形がたて長になっちゃった。まあ別にカッコなんかどーでも良いや。

で結果ですが、目論見通りけっこう改善しました。メーカーの復刻版と直接比べてないのでそこら辺の違いは何とも言えないけど、ちょっと鈍かった音の立ち上がりがぐっとスムーズになってちょうどいい感じ。チューニング管との合わせ技でかなり軽くなったことになります。因みに今回の工賃はジョニ黒1本でした。

面白かったのは周りの人の反応。「あれ、楽器替えたの?」とか「それ、どこのメーカーの楽器すか?」なんてよく聞かれます。

他のところは前のままなのに意外と分からなかったりする。みんなけっこうオモリの形で楽器を判断してるんですね。

大きなオモリにはこれまた大きな字で「KING」と書いた金属のステッカーが貼ってあります。改造のときそれは捨てちゃったんだけど、先輩のUさんが「両側を切ったから君の楽器は"IN"だね」だって。

やっぱ新メーカーか?

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■ 猫の巻乃17:楽器をバッサリ

俺が普段使用してる楽器はWilliamsとKing2Bです。

このうちKingは友人から買ったものなんですが、試奏したとき問題ないと思ったのにしばらく吹いて慣れてみると何故かピッチが少し低い。チューニング管を全部入れても目指すピッチまで上がらないこともありました。
これだと仕事で使うには危ないので家でミュート練習専用にしてました。練習用ミュートをつけるとピッチはかなり高めになるので問題ありません。

それからしばらくして先輩が楽器を切るという話を聞きました。その人が入手した楽器もピッチが低く、しばらくごまかしながら使っていたけどどうにもつらくなってきたので、チューニング管を切って短くしてもらうことにしたんです。

楽器は本来微妙な設計でできています。ちょっとぶつけてへこんだだけでも響きが変わることがあるぐらい。それを切って短くするとは大胆だなと思いましたが、仕事で使えないんじゃしょうがない。ダメ元で俺も挑戦することにしました。
お店の人と相談して切る長さは1cmに決定、楽器を預けます。
出来上がってきた楽器を吹いてみると、いちばん心配だった音程のバランスもそれほど狂ってないし、ピッチはちゃんと上がってバッチリ。これなら普通に使えます。

予想外だったのは反応がすごく軽くなったこと。よく考えれば二重構造のチューニング管部分が少なくなったんだから当然とも言えるけど、それまでのちょっとモッサリした音の立ち上がりが改善、軽く吹いただけでプーンと鳴ってくれます。そのわりに音色が薄っぺらになったりもせず、ちょうどいい感じに明るくなった気がします。

今回は良いことずくめの改造でしたが、楽器によって差もあるでしょうし、何より一度切ったら元には戻せません。それでもピッチや鳴りの重さで諦めかけてる楽器があったら試してみる価値はあるかも知れませんよ。工賃は\1万前後でやってもらえると思います。

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■ 猫の巻乃16:ステージマナー3-ソリスト

ビッグバンドの場合リズム隊はソロでも場所は移動しませんが、管楽器奏者はソロのときセンターマイクに行って演奏することがあります。
これはお客全員が注目する場面なのでけっこう重要。

見栄えが良くなるコツをいくつかご紹介します。

まず大事なのは出るタイミング
時間ギリギリになって走っていくハメになってはソロに集中できませんしオタオタした感じもカッコ良くありません。
リハのときに距離やタイミングを確かめておくことが大切ですが、本番ではテンポが違うこともあるので少し早めに出かけます。途中でいくら何でも早すぎたと思ったら、そのままセンターに行かずSaxの隣あたりでバンドを眺めてると余裕がある感じ。そこからならタイミングもはかりやすいですね。

ちょっと早めにマイクにたどりついたらマイクの位置を直します。丁度良い高さだったとしても構わずテキトーにイジりましょう。とってもソロに慣れてるように見えます。

もちろん、ネジが緩んでないか確認することも重要です。
俺は以前、マイクがじわじわ下がってきてどうして良いか分からず、しゃがんで吹いたことがあります。
あ、これバカ話で書けば良かったか。

ソロの途中にバンドプレイが入り、しばらくお休みということもありますよね。
この間をもたすのも慣れるまではちょっと大変です。
一旦ソロが終わるときにマイクの位置から一歩ぐらい後ろに下がると場面が変わった演出効果があります。
で次の出番までバンドや他のソリストを見てるのも良し、じっと考えてる(フリだけでOK)のも良しです。

ソロが終わったら一度お客を見て「いかがでしたか?」ぐらいの気分でお辞儀。ここまでやれれば見た目は一流ミュージシャン並みです。どうです、やってみたくなったでしょ?

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■ 猫の巻乃15:力はいらない?

プロのレッスンを受けると「ラッパ吹くのに力は要らないんだよ」と言われたりします。でも「ホントにそーかな~」と思ったことありませんか?

俺は学生時代、この言葉をバカ正直に信じ込んでほとんど力を入れない練習を繰り返し、とんでもないコンディションになってしまったことがあります。ここまでバカな人は他にいないと思いますが、先生達の言いたいこともよく考えてみたいと思います。

楽器を吹くのに慣れないうちは、とにかく何か音が出るまで思い切り力を入れてしまいます。自己流で練習してある程度上達してもこのクセが残っていると、音も苦しげですぐバテてしまうという困った奏法になってしまいがちです。
プロの先生は多分このことが言いたいんです。つまり「無駄な」力は要らないんです。
金管楽器を吹く場合、安定した音を自由自在に出すためにはそれなりの腹筋、背筋力が必要ですし、唇の周りの筋肉も不可欠。トロンボーンならもちろん腕の力もです。

武道でよく言われることですが、筋肉が足りないと体の動きを支えるために力が入ってしまう。ある程度の筋肉がないと、無駄な力を抜くことも出来ないんです。

体中に力を入れても良い結果は期待できません。まずはお腹をぐっと引き締め、肩の力を抜くことから始めてみましょう。力の入れどころ抜きどころが分かってくれば、トロンボーンはそんなにツライ楽器じゃありませんよ。(仕事となると話は別ですが、、、)

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■ 猫の巻乃14:チューナー使用法

40年ぐらい前はチューニングといえば音叉(って知ってますか?鉄でできた二股の道具で、叩くとチ~ンっていうやつ。ヤマハのマークにもなってます)しかなかったんですが、今やデジタルチューナーが当たり前。金管奏者で持ってない人いないんじゃないかってぐらい普及しています。
正確で便利なチューナーですが、どうも気になる使い方をよく見かけます

譜面台などにチューナーを置き、プ~♪と吹きながらピッチを調整するんですが、いきなりチューナーの針を見ながら吹き始める人がほとんど。そこからピッチを調整するわけですが、大抵は無意識に口や息で微調整してしまいます。これだと見た目は合っているようでも、いざ曲の演奏となったときには微調整前の本来のピッチになってしまい、チューニングの効果がちゃんと出てくれません。

チューニングで大切なのは音程のずれを出さないとかすぐ直すということではなく音程のずれをきちんと確認することです。ずれがはっきり分かればその分だけきちんと調整することができます。

チューニングをするとき、

まずはチューナーを見ずに音程をイメージしてから音を出し、あとから振れた針をチェックするようにしましょう。

音程がずれていればチューニング管を調整し、同じ手順でもう一度。

これで正しい音程に近づけることができます。また、これから出す音を頭の中にしっかり思い浮かべる訓練にもなります。漠然と演奏していては上達にも、自分らしさの表現にもなかなか近づけません。たかがチューニングとばかにせず、良い癖をつけるきっかけとしても意識して音を出すようにして下さい。

チューニングといえばもうひとつ。チューニングのときに息の圧力のない小さな音をピョエ~と出す人が多いようですが、これでは楽器本来の音程が出ません。
せっかく時間をかけてチューニングしたのにいざ合奏となったらピッチがガタガタという場面をよく見かけます。

チューニングのときは曲を演奏してるときの音をイメージしてしっかり吹き鳴らしましょう。

大きな音でチェックしてピッタリ合った音は本番でもバッチリ。これこそホントのチューニングです。

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■ 猫の巻乃13:遅いときははやく

トロンボーンの特徴は何といってもスライドで音程を変えることです。
管体に空気の切れ目がなく直線部分の長い構造は、独特な音色とスライドならではのコントロール、ビブラートやグリッサンドなどトロンボーンならではの表現を可能にしてくれます。

ただし細かい音符のフレーズが苦手なのはちょっと弱点ですね。またスライドの動きで音が流れてしまいがちなのも困ったもんです。
速い動きや遠いポジションの移動はとりあえずしょうがないとして、音の流れにはちょっとした盲点があるよという話をします。

それは遅いテンポのときや、2分音符など長い音符を演奏するとき。人はゆっくりしたメロディーを演奏するとき体の動きも無意識にゆっくりになってしまうんです。またロマンチックなメロディーを滑らかに演奏したいとき、音量が小さいときも同様に動きが緩慢になってしまう。これは人間の生理として自然なことなんだけど、音楽表現上はちょっとまずい現象です。そりゃそうですよね、バラードのおいしいソロで「プワ~プワプワプワ~♪」じゃカッコわるいですから。

これを克服するには練習が必要なのはもちろんですが、常にに注意することでかなり改善できます。スライドの流れる音は遅いときよりむしろ速いテンポのときのほうが目立たないんです。遅いテンポ、長い音符のときほどスライドは速く動かす。これを合い言葉にしてカッコいいバラードに挑戦しましょう。合い言葉を思い浮かべるだけでかなり違います。

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■ 猫の巻乃12:初見演奏のコツ-3

久しぶりに初見の話。前回( その1 その2 )まではとにかくたくさん読むべし的な基礎編でしたが、今回はもうちょっとレベルアップです。

プロミュージシャンなど譜面に慣れたプレイヤーは、初見といっても無表情に平べったく演奏することはまずなくて、最初からある程度のノリやアクセントをつけて演奏します。これができると「なかなかやるな!」という感じですよね。

音の高さ、長さ、タイミングを読むのはもちろんですが、譜面に慣れた人はフレーズ単位のカタチも見ています。譜面を見ながら何度も演奏した経験が記憶として蓄積されていて、よくあるフレーズが出てくると「あーあれね」と判断して、最適なアーティキュレーションをつけることができます。プロになると「あれ」のストックもかなりの数になり、大体のフレーズは「あー」で解釈できるわけです。

最近テレビで見たんですが、人は書かれた文章を読むとき、頭の中で文字を一旦話し言葉として音声化し、複雑な意味や前後の流れを理解するんだそうです。
これに近いことが譜面を演奏するときにも頭の中で起きている気がします。つまり譜面をみたとき単なる情報としてではなく、フレーズを音楽としてイメージしながら演奏している
これはかなり難しいことに思えるかも知れませんがそれほどでもなく、要は慣れの問題です。しかもフレーズ単位でイメージして読む習慣初見技術自体の向上にもつながりますし、演奏の精度も上がります。

イメージ作りの練習には比較的シンプルで抑揚がはっきりついた譜面、例えばカウントベイシーなどの譜面で練習すると感じがつかみやすいと思います。結果が出るまでちょっと時間がかかるかも知れませんが、メロディックな演奏、全体の流れをつかむ訓練にもなりますので是非挑戦して下さい。

因みにバンドばか話でご紹介したBar.SaxのIさん(#8ベテランの実力)の場合もまさにこれで、流れを読んでプレイしているから(個々の音符が完全に読めてなくても)全体として自然な演奏ができるというわけです。

もちろん二日酔いで演奏する練習は全然必要ありません(俺はときどき練習してしまいます)。
演奏前日のお酒は控えめに。

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■ 猫の巻乃11:本番は練習じゃない

初めてミュージカルオーケストラの仕事をしたときの話。

ミュージカルは1ヶ月単位で劇場に入り、毎日同じ譜面を演奏する仕事です。1回の公演時間はだいたい3時間ぐらい。1ヶ月の中には1日2回公演の日もけっこうあります。お芝居と歌や踊りの組み合わせだから3時間ずっと演奏するわけじゃないけど、緊張は3時間ずっと続きます。だから2回公演の日はほんとに大変

金管楽器は口がバテて音が出なくなったら終わりです。疲れもだんだん溜まってくるし、毎日長時間演奏してるんだから調子の維持は充分だろうと思い、朝に軽くウォーミングアップをするだけでオケピットに入り、仕事がすんだらみんなで飲みに行くという毎日を過ごしました。

ところが公演が全部終わり、普段の仕事に戻ってびっくり!以前できてたことさっぱり吹けません。高い音やデカい音、細かいフレーズなどが吹けなくなっている。焦って練習しますが急に調子が戻るはずもありません。元の調子に戻るのに3ヶ月ぐらい大ピンチの日々を送るハメになりました。

よく考えてみると、ミュージカルは同じ曲を同じ順番で演奏するのでそれ以外の奏法は使わなくなります。普通のステージではどんな譜面がくるか分からないのでいろんなパターンの練習をしてあらゆる事態に備えておくわけですが、それがミュージカルでは必要ないので演奏の柔軟性が失われる。この落差が分かってなかったんですね。

さらに言えば、本番では良い演奏のために全力を尽くすため、技術的にかなり無理な吹き方もしています。これは基礎テクニックの維持という意味ではむしろマイナス要因といえます。かなりキツい仕事のときでも、いやキツい仕事だからこそ、最小限の基礎練習が必要になると思います

基本が大事」という言葉からは誰も逃げられません。演奏を始める前にはなるべく同じ手順で基礎練習を、少しでも良いからやるようにしましょう。コンディションの維持に効果抜群です。

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